Das Ewige bei Francisco Hernández

Die notwendige Intuition des Schöpfers und seine Sensibilität sind die eigentlichen Arbeitsmittel, die uns einen Blick in das Innere des Künstlers erlauben. Es sind diese Eigenschaften, die die Realität durch die Sinne lenken und betrachten. Aber es handelt sich weniger um eine greifbare Realität als vielmehr um eine, die überwunden wird.

Bei F. Hernández half diese Intuition ihm, in sich selbst zu wurzeln, indem er nicht den gesellschaftlichen Kern, der ihn verstehen sollte, sondern seinen eigenen schöpferischen Geist, d.h. seine Suche nach dem Schönen als Konzept, immer wieder herausforderte und in Frage stellte:

Ich verfolge grundsätzlich die Schönheit, diesen geheimnisvollen, undefinierbaren Magneten, der existiert, der da ist und mit uns lebt. Als Andalusierin verspüre ich das Bedürfnis, die zeitlosen Elemente darzustellen. Der Mensch, die Pflanze, die Wolke, der Himmel, usw. Ein kosmisches Gefühl außerhalb der Zeit. Die Stimme dieser Körper hat mich in meiner Kindheit erzogen und mich dazu gebracht, meine Wesen zu erlösen und sie weit weg von der quälenden Gewalt von Zement, Stahl, Automatismus und der Dichte der Großstädte neu zu erschaffen. All dieses Material der Natur, der Wesen und der Räume pflege ich wie einen Klassiker, mit einer hellenischen Basis in Bezug auf Ordnung und Gleichgewicht. In meinem Werk durchläuft die Geometrie auch die Ecken und den Rahmen mit einem monumentalen Willen, der einen Dialog zwischen Formen und Geometrie sucht und schließlich eine Öffnung hinterlässt, durch die das Unbegreifliche – das Zittern – das Unbekannte – fließen kann ¹Wörtlich aus dem Originaldokument des Künstlers transkribiert, das später zur Veröffentlichung des Buches Francisco Hernández von Manuel Ríos Ruiz diente und 1977 von der Generaldirektion für künstlerisches und kulturelles Erbe herausgegeben wurde. Madrid.

Er erkundigte sich nach sich selbst als einem Bedürfnis, das ihn zu einer profunden Kenntnis der Kunstgeschichte und ihrer technischen Erforschung führte, sowohl der Vergangenheit als auch der Gegenwart, denn sie ist eine unveränderliche Ewigkeit, wie Baudelaire sagte, die er sich autodidaktisch und rastlos aneignete, da das, was er gelernt hatte, nie genug war.

So baut sein Werk auf einer soliden klassischen Grundlage auf, die er schon in jungen Jahren akribisch verinnerlicht hat, um seiner schöpferischen Freiheit freien Lauf zu lassen, die mal in den magischen Expressionismus, mal in die andalusische Barockallegorie, mal in den hellenistisch-mediterranen Stil mit straffem, der Zeichnung unterworfenem Pinselstrich oder in einen grafischen Stil eintaucht, in dem er das Volumen zum Nachteil des Linienrhythmus und des Linienrhythmus verachtet; in anderen Fällen, im hellenistischen Mittelmeerraum, mit einem straffen, der Zeichnung unterworfenen Pinselstrich; oder aber in einem grafischen Stil, in dem er das Volumen zum Nachteil des Rhythmus von Linie und Farbe verschmähte, wo nur die reine Essenz der Idee von Wert war.

Man könnte meinen, dass die verschiedenen Stile, die in seinem Werk zu finden sind, das Ergebnis einer zufälligen Inspiration sind. Das wäre ein Fehler, denn die vom Künstler geführte Hand, die in ihm schlug, legte dieselben Tugenden auf die zugänglichsten Sprachen oder auf die hermetischsten, aber immer verständlich in ihrem Wesen und mit der notwendigen Kontinuität in ihrem evolutionären Kontext.

Jahrhunderts mit dem ihm eigenen Stil und der ihm innewohnenden Technik zu den gleichen Ergebnissen führen wie ein Gemälde, das im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts entstanden ist, denn trotz der Unterschiede zwischen den Jahren, die vergangen sind, und trotz der Komplexität, die das Schaffen im Laufe der Zeit immer mit sich bringt, gibt es einen roten Faden, der sie in einer strukturellen Evidenz vereint, die sie seit ihrer Kindheit entwickelt haben und die zweifellos in der Beherrschung der Zeichnung besteht.

Man kann sagen, dass dies die Ordnung ist, die seine gesamte Produktion nicht verdeckt, sondern vielmehr hervorhebt und transparent macht, da sie ihr eine unbestreitbare Solidität verleiht.

So warnt sie uns, dass die Beschäftigung mit seinem Werk auch eine Beschäftigung mit seinem Denken und seiner vitalen Essenz ist, denn für ihn war das Leben Kunst und die Kunst Leben, eine Tatsache, die sich nicht trennen lässt und die wir oft übersehen und oberflächlich betrachten, indem wir uns auf die anekdotischen Aspekte des Behälters konzentrieren und nicht auf die wahre Natur des Inhalts.

Weil es die Niederschrift des Geistes evoziert und sich auf der Leinwand entfaltet, um Zeit und Raum, Materie und Form auszudrücken und neu zu erschaffen; aber auch Schlaf und Wachsein, Licht und Dunkelheit, kurz gesagt, den Zustand von Sein und Nichtsein, da an einem bestimmten Punkt auch die inneren Schwingungen aufblühen und aufflackern und widersprüchlich erscheinen können, ohne es zu sein.

Dennoch bleibt diese persönliche Schwingung bestehen, diese Prägung, die das Werk und seinen Autor qualitativ als Ergebnis des unvergänglichen Pulses der Existenz identifiziert. Aus diesem Grund führen die Wendungen, die wir in seinem Werk finden, nicht zu einer anderen plastischen Ästhetik, die man als gebräuchlich ansah, sondern zur Analyse seines eigenen inneren Bewusstseins zusammen mit der Beobachtung seiner Umgebung.

Er ernährte sich von sich selbst, und als Ergebnis dieser Verdauung tauchten in seinem Werk neue Modelle des Zusammenlebens auf, die verschiedene Wege des Ausdrucks markierten, aber immer auf das gleiche Ziel ausgerichtet waren, ein bildnerisches Universum, das die Realität transzendierte und ihn auf der Suche nach der Schönheit seiner inneren Visualisierung immer ins Jenseits führte.

Das ist unbestreitbar, denn die schöpferische Fähigkeit ging über ihn selbst hinaus, in gewissem Sinne war er nicht ihr Herr, und sie verschaffte ihm den unaufhörlichen Zwang, weiterzumachen; ein Nichtstoppen, das an Unzufriedenheit grenzen konnte, nicht aus Frustration, sondern in der Herausforderung, zu wissen, dass dies sein Leben war und Konformismus den Tod seines inneren Wesens und somit den Tod des Künstlers bedeutet hätte.

Und so war es nicht. Seine schöpferische Intuition verewigte ihn durch die Blicke des Betrachters, der sein Werk betrachtet und betrachten wird; seine transzendierte Realität, kurz gesagt, sein Sinn für die Schönheit des Augenblicks, in dem er lebte.